Ambrosius Benson a travaillé à Bruges entre 1518 et 1550 et a peint dans le style des maîtres flamands de l’ancienne peinture néerlandaise. Il ne signait généralement pas ses œuvres, comme c’est le cas ici, mais les caractéristiques typiques de l’œuvre permettent de l’attribuer à coup sûr. L’œuvre religieuse a été peinte soit sur commande de l’église, soit, ici, en raison de sa taille, comme tableau de dévotion privé. La composition et les différents éléments sont très proches de ceux du tableau de Noël exposé à l’Ermitage de Saint-Pétersbourg.
La Sainte Famille, composée de Marie, Joseph et l’enfant Jésus, occupe les deux tiers de la surface du tableau et est construite de manière pyramidale : Marie et Joseph sont agenouillés dans une attitude de recueillement, flanquant l’enfant. Il est couché sur un drap dans une crèche remplie de paille, qui est également montrée comme un fagot au premier plan. Le bœuf et l’âne derrière l’enfant complètent le groupe et situent la représentation dans une étable. Les murs en blocs de pierre et le plafond en bois semblent plutôt fragiles et ruinés ; la végétation s’est également frayé un chemin à travers les briques de pierre. En arrière-plan, une grande fenêtre donne sur un paysage vallonné peuplé de moutons. Des jeux de lumière atmosphériques dans l’ouverture du ciel entre les nuages dirigent le regard vers le lointain, tandis que les murs terrestres de la ville suggèrent que les personnages sont mis en scène dans la nature, en dehors d’un environnement urbain. Un jeune berger et un berger plus âgé se tiennent derrière la fenêtre et regardent la scène, reflétant le spectateur. Derrière, on pourrait même apercevoir, sous forme d’ombre, des contours blancs, un ange qui vient d’annoncer la bonne nouvelle de la naissance du Messie. Le groupe de six anges qui descendent du coin supérieur gauche – des sphères célestes – et qui expriment leur hommage par différents gestes en joignant ou en levant les mains, est également particulièrement captivant. Les regards de tous les personnages représentés sont dirigés vers le petit enfant dans la crèche, la relation visuelle entre la mère et l’enfant étant particulièrement mise en valeur, notamment par l’auréole suggérée de Marie et de Jésus. Un exemple de comparaison particulièrement frappant est le tableau du même sujet à l’Ermitage : non seulement la disposition de la Sainte Famille est identique, mais aussi la position et les gestes de la troupe d’anges qui descendent ainsi que de l’enfant. La vue sur un paysage de collines dans la moitié droite de l’image est également similaire ; cependant, quatre bergers se rapprochent ici de l’action ; la famille centrale n’occupe plus que la moitié de la scène, qui est cette fois située dans une ville plus peuplée et un paysage de ruines antiques. La richesse des métropoles commerciales, comme la ville flamande de Bruges, où l’artiste a travaillé, a fait des riches patriciens des commanditaires et des mécènes importants. La scène scénique d’un paysage de temple en ruine à l’Ermitage remonte au concept de la hutte primitive rudimentaire (la première habitation des hommes), que l’on remplaçait volontiers par des ruines à partir de la fin du 15e siècle. Cependant, dans le cas du tableau présenté, le peintre a voulu créer une atmosphère dans laquelle la pauvreté et la simplicité sont mieux mises en valeur, ce qui met également l’accent sur l’intimité et la piété, surtout en combinaison avec le degré élevé de naturalisme. Le passage du gothique tardif à la Renaissance est ici particulièrement bien mis en scène : des couleurs symboliques de style médiéval, comme le rouge vif du vêtement de Joseph, pourraient faire allusion à la future Passion du Christ. Le riche drapé et les proportions allongées des personnages renvoient également à la tradition du gothique tardif. Il convient ici d’attirer particulièrement l’attention sur la comparaison avec le tableau de Benson « Repos sur la route de la fuite en Égypte », conservé au Groenigemuseum, car ici, tant les couleurs rouge vif du manteau que la physionomie de l’enfant sont identiques. En outre, dans le tableau décrit, Marie est représentée avec une robe brodée et un manteau richement orné de brocards, qui indiquent sa future position de reine des cieux. Le même manteau bordé de brocart et orné de draperies artistiques figure sur la scène de la Nativité à la Yale University Art Gallery. Ici, la disposition de la Sainte Famille, la position de l’enfant et le drap blanc drapé en dessous sont identiques. Mais ce qui est particulièrement impressionnant dans le tableau présenté, c’est la nouvelle observation précise de la nature, comme par exemple les plantes qui poussent hors des murs ou les différentes tiges qui se sont détachées de la botte de paille. Une caractérisation détaillée de la surface du tissu et sa plasticité sont particulièrement visibles dans le panier tressé, présent ici (ainsi que dans les exemples comparatifs mentionnés) et rempli de chiffons d’emmaillotage. Il s’agit probablement d’un trait particulièrement caractéristique des scènes de la Nativité exécutées par Benson. Ce langage formel universel de l’ancienne peinture néerlandaise a été repris et varié à plusieurs reprises par Benson au cours de son activité artistique afin d’exprimer une profonde religiosité, qui se sert certes encore de caractéristiques symboliques du gothique tardif, mais qui est déjà ancrée dans la tradition naturaliste de la Renaissance.
